page-template-default,page,page-id-73412,theme-stockholm,qode-social-login-1.1.3,stockholm-core-2.2.1,non-logged-in,woocommerce-no-js,select-theme-ver-8.0,ajax_fade,page_not_loaded, vertical_menu_transparency vertical_menu_transparency_on,side_area_uncovered,header_top_hide_on_mobile,,qode_menu_center,qode-mobile-logo-set,qode-single-product-thumbs-below,wpb-js-composer js-comp-ver-6.6.0,vc_responsive,elementor-default,elementor-kit-73338

Storm and momentum

Benoît’s experiments hybridise with stealth. They bring different media (painting, sculpture, photography, video, sound, publishing) into the performative field. Being multiple, they take their sources without affiliating themselves to the interventionist or appropriationist approaches of the second half of the 20th century before escaping into the off-field, tracing an undetectable dynamic, in appearance only. Choosing art as a pretext for life, “fantasising the ultimate piece as a simple breath : a respiration”, Benoît is part of a Fluxus heritage where life is no longer theatricalised. Here, the poetry of the ordinary is grafted onto a hymn to nature, free of any bucolic vision. However, Benoît does not intervene in the natural environment like the Land Art artists, he does not modify the landscape, nor does he preserve or heal the ecosystems. Benoît’s casual attitude to art history might seem undermining. Far from being a thrust of creation, the artistic quotations that sometimes surface are apprehended in a carefree manner, in copyleft mode, a loose development or diversion. Worlds away from the postmodern artist multiplying references, Benoît turns his gestures into poetic images stripped of their historical grounds; a reactive position toward a contemporary art scene rooting for the here and now. As Marcel Duchamp put it “L’inconsistance n’est pas l’insignifiance”.On the Annapurna mountain range, in the Mercantour Massif or on the shores of the Mediterranean, Benoît walks, camps, climbs, swims, and snorkels to create gestures that look like conquests, yet remain futile and ephemeral. He teases and woos nature, throws himself into the void or into the depths of the abyss to offer, for a moment, a bouquet of flowers to the Earth [Les Tentatives, 2014]. 

Tentative amoureuse, 2014

Tentative amoureuse, 2014



The ascent, the vertigo, the attraction of the void, the bewilderedness of the depths enlace the pressures with a sexual impulse. The primordial energies – water, fire, air, earth -, the elementary qualities – hot, cold, dry, wet – are summoned along unalike nocturnal or diurnal landscapes – the mountain and the sea, the cliffs and the softness of the lakes, the heat of the sun and the icy whiteness of the snow. The “nude in the landscape” theme appears as a necessary counter-field in the anthropocene era. It no longer evinces the central and narcissistic place of the human or of the “I”, it solicits a horizontal and pacified relationship with the world. It is built on a desire to act, to react, to take charge. The erotic offerings explore the ties connecting humans to nature. A plea for ecosophy, an invitation to feel the vital impulses unfold. Meditation is established as a Forme de Paix [2016]. Les visites [2014] elate the pleasure of connection and interaction. Nature is no longer an idealised place of retreat, it is a privileged and intimate ally. It finds itself where the wind rises. Benoît fosters moments of artistic synergy through eco-solidary actions. Thus, he initiates collective creation sessions in a joyous and high-spirited atmosphere where the figure of the author and of authority is questioned. Together, they let themselves fall as if in a deep sleep [Nous avons essayé de nous endormir sous l’eau, 2018], play the trumpet in the middle of the sea [Il y a comme un lien entre la musique, l’eau et la vie, 2019], run naked in the snow [Coup de soleil, 2019].

Il y a comme un lien entre la musique, l’eau et la vie, 2019


Il y a comme un lien entre la musique, l’eau et la vie, 2019 Some landscape expeditions are permanent, some are ephemeral or nomadic, requiring the help of companions with specific skills. With a naval architect [Marc Risé], musicians and amateur free divers, he immerses a piano, “infusing a musical wave into the depths of the sea” [La marée de la trépidation, 2015].  

Tide of trépidation, 2015

Accompanied by climbers [Félix Bourgeau, Audrie Galzi, Tom Barbagli], he fixes a bronze cast (weighing about 20 kg) of his arm holding a real bouquet of flowers doomed to disappear if unreplaced [Ici la terre, 2014]. With a camerawoman friend, he takes a burnt wooden stele into the wilderness as an interstitial doorway to the other side of the mirror [Monoxyle, 2019]. Nature is also a privileged partner. In Athens, with the artist Eri Dimitriadi, he tries to capture the shape of water on land or beneath the sea [Ocean mémoria, 2017- ]. Alone, he throws natural ink made on site into the landscape to smear a canvas placed below in a form of cosmological co-creation [Ecotopia, 2016-2020]. This proclivity to work in collaboration crystallises at the creation in 2018 of a collective of variable identity (Tom Barbagli, Evan Bourgeau, Camille Franch-Guerra, Omar Rodriguez Sanmartin, Anne-Laure Wuillai) and with a fluctuating name (Azimuth, Palam) binding common eco-solidarity aspirations and ideals. The collective and the mountain hikes become a work procedure, a way of inhabiting the land [Azimuth, 2018; Sous la glace, l’eau, 2019]. Benoît is one nomadic spirit, trying to open up an exploratory field where energies circulate freely until the ties between experience, pleasure and creation become inextricable. His manifesto or epic texts and his editions [Ici la terre, 2015] bear witness to this. The expeditions unabashedly take on a flight of lyricism. This reminiscence of Romanticism, far from being naïve, seems to evoke what the past can say to the present so that humans evolve not in spite nature, but with it. In this sensual activism, the enjoyment of freedom never ceases to exult over and over again until it creates a political and societal driving force. Collective – not community – commitment takes the form of a cortège.


Révolution Naturelle, 2020

Révolution Naturelle, 2020



They raise the fist armed with a bouquet [Natural Revolution, 2019-2020], love each other at night in the streets of the Exarchia district – a place of self-management and citizen initiative in Athens [ACAB, 2017]. With fellow artist Aimée Fleury, they feed and cultivate the fire of freedom [La libération, 2020] in a kind of processual and shamanic ritual reminiscent of his plastic research on telepathy, synesthesia and trance [À corps, 2013] or his work under LSD [Déploiement de l’eau, 2011].  








La libération – #2 – 2019 in collaboration with Aimée Fleury and the participation of Norra 

These works of art, moments in time committed to a better tomorrow, are not always part of an eco-responsible reflection, more in line with the practice. Meanwhile, their nature is elsewhere, immaterial, elusive. They emerge from the emotions they enable, from the call to freedom, from the storm and momentum they instil.

Texte par Rebecca Francois

Rebecca Francois, curator at MAMAC (Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain), a museum dedicated to modern art and contemporary art, poses for the photographer on the museum's roof terrace, Nice, France, 6 November 2015

Auto-Bio (2015) :

Benoit Barbagli life and work in Nice.

An engineer in conceptual technology, is elaborating a network of thought transmission at a distance without any intermediary interface. A technology acting as a lubricant on the words and things, between gestures and emotions, to soften them and connect them. To reach it he uses love and life.

A technology sometimes oral, sometimes plastic, that never stops building bridges between various knowledge that reveal themselves through encounters and the collective. Each project generates the stimulation of different trades: mountaineers, engineers, architects, sailors…

The artist does not know, he learns, he exchanges and becomes the mirror of his encounters. The transdisciplinarity makes the strength of its projects. It dismantles the already porous partitions of art to turn it into an object without sides, not established, intended to create connection.

An extravagant engineering in an assumed drift with any kind of technological progress, a sensitivity to the ecological cause, a praise to the simplicity of the gesture, gives it a certain activist reading. The look on the gestures oscillates between a satire of instituting cultural forms, a raving poetic action and a strong erotic expression crossed by a questioning on gender.

He fluctuates between a project of communication and large scale broadcasting (Art – Business – Contemporary Marketing 3.0) and an intense love story told with sincerity and commitment. He staggers between holding a rigorous logician discourse, structured and an intellectual imposture where we cannot really tell when the diversion it operates started. Dressed up by complex devices and sometimes tenuous references, the meaning of the gesture is expressed in a simple, popular language, always sincere. 

Bucolic, in love, loving life, and giving it thanks, diving frankly in the middle of it, declaring art a pretext to life.

And believe it or not, in this bubbling activity, praising slowness, stammering the decrease as the only possible environmental window. This slowed activity always turn to meditation, like a means to access oneself, like a societal means of demand, fantasizing on the ultimate work as a simple breath: an inspiration.



Michel Remy, Professeur d'histoire de l'art

Benoît Barbagli, ou la plongée dans les hauteurs.

C’est entre le milieu et la fin du 18ème siècle  que s’est confirmé le doute philosophique et moral quant au pouvoir de l’homme sur la nature, que le classicisme proclamait haut et fort. A ce moment-là la nature s’est peu à peu imposée contre la prétendue domination que l’homme pensait exercer sur elle. Naissance du jardin anglais, fascination pour les ruines, découverte  gothique des entrailles de cette même nature, apothéose du romantisme de Bernardin de Saint Pierre, Byron, Lamartine, Hölderlin, Shelley, Hugo et j’en passe…

Avec eux,  se dessine une sensibilité en quête d’elle-même, une « pensée en proie à la démesure qui l’engendre » « sous les décombres de nos certitudes abolies » selon les belles phrases d’Annie Le Brun.  Les montagnes, comme les souterrains des châteaux, deviennent alors les lieux où l’âme du monde, l’esprit qui sourd à la fois des strates géologiques et des reliefs vertigineux, où cette âme et cet esprit nous stupéfient et nous invitent à dialoguer avec eux au regard de l’infini. La fameuse expérience de William Wordsworth enfant, pris de terreur dans l’ombre des rochers sur lesquels la nuit s’installait, Shelley en admiration terrifiée devant le Mont Blanc, Lamartine et son lac, Musset et les hurlements des loups, tous ont signé ce dialogue qui n’en finit pas…
Sans le moins du monde céder à des comparaisons ridiculement disproportionnées,  nous pensons que Benoît Barbagli est l’un de ceux qui, héritiers de cette « plongée dans les hauteurs » – si l’on me permet  cet oxymore  – réussissent à suspendre la pensée rationnelle,  à se « dépouiller de ces liens de mortalité » et à se transcender, mais en restant  solidement  ici. Le travail de Benoît Barbagli est un travail performatif, c’est-à-dire de mise en scène à la fois de lui-même et des paysages de mer et de montagne. On est tenté de voir, certes hâtivement, une filiation avec le Land Art des années soixante-dix, mais il faut vite dire que c’est un Land Art qui dépasserait une trop sèche objectivité et qui serait  inséparable d’une profonde spiritualité, sans que ce terme ait quoi que ce soit de religieux. Il n’est d’ailleurs pas sans importance qu’il ait décidé, afin de faciliter cet échappement de soi, de rechercher cette âme du monde en Inde et au Népal, berceaux  d’une religiosité sans religion, là où la spiritualité est le banal quotidien des hommes, là où l’on ne peut qu’être pris de vertige – et le vertige n’est-il pas oubli, redouté ou espéré, de la pesanteur ?  L’exotisme, c’est l’ailleurs. C’est sortir de soi.

La confrontation avec l’espace, par son lyrisme et son exaltation du moi profond, exprime chez Barbagli le besoin de retrouver la mesure de l’homme en dehors de tout conditionnement visuel et moral. Comme si, en plongeant dans un précipice de montagne, on découvrait ce qu’il y a au fond : notre corps dés-habillé de ses oripeaux de civilisé. C’est là que prend sens la nudité de certains corps  de Barbagli. La nudité ne représente-t-elle pas la séparation, l’abandon du monde des apparences mensongères, une sorte de réappropriation de soi, afin d’atteindre les parages d’une vérité qui nous a échappé et entrer en rapport intime avec l’altérité ? Ce rapport débouche alors sur une interpénétration de l’homme et du cosmos, du moi et du grand autre, dans laquelle les deux termes de la relation se retrouvent dans le même état de pureté originelle – tentative du moi de rencontrer l’Autre au même niveau et d’abolir ce qui risque de les différencier. Regardons certaines photos : que le corps adopte la position fœtale ou recroquevillée, qu’il plonge dans l’océan du temps en une offrande de soi, en un oubli de soi ithyphallique ou qu’il défie la pesanteur et « entre en légèreté » (comme on dit entrer en religion !) en gardant ses costumes de ville sur la proue d’un rocher, le spectateur se trouve précipité dans une autre dimension de vision, une vision sauvage.

Paradoxalement , ce qui secrète cette sauvagerie de la vision, c’est la mise en scène, la pose, la composition parfaitement réfléchie qui fait en sorte que les corps ne sont en aucune façon irruptifs ou perturbateurs mais sont sur le point de se fondre… C’est là où la photographie vient  au secours d’une oeuvre qui devrait disparaître, car cette œuvre, sauvage, ne peut qu’être éphémère…C’est là où le souci de composition poétique change la nature de la photographie qui, au lieu d’être confortablement et banalement documentaire,  révèle un potentiel imaginatif immense. Breton disait que « l’œil existe à l’état sauvage ». Or cet oeil-là,  qui est  bien celui de Magritte,  de Miro, de Masson ou  d’ Ernst lorsqu’ils sont en train de peindre et de se fondre dans « les territoires cachés de l’inconscient » ,   cet œil-là n’est-il pas également  ce que devient l’oeil du spectateur à l’instant même où il découvre ce qu’ils ont peint ?  La « sauvagerie » de cette vision ne se communique-t-elle pas de l’un à l’autre? Le même rejoint l’autre,  le physique le métaphysique, l’éphémère l’éternel, nous sommes en pleine immanence…

Ici la terre…oui, mais aussi, ici l’esprit. – et l’imagination !

Il ya des lieux où souffle l’esprit, et Benoît Barbagli nous les donne à voir…

Michel Remy

Université de Nice

Camille Frasca, Conservatrice au Musée Picasso

Benoît Barbagli est ce qu’on pourrait appeler un artiste supra-conceptuel. Né en 1988 à Nice, il suit à partir de 2010 les cours de la Villa Arson, où il apprend chaque année à se remettre en question. On lui conseille d’aller toujours chercher un au-de- là, de pousser plus loin, de mettre constamment en doute. Cette tournure d’esprit alimente alors ses recherches artistiques. Il multiplie et diversifie les pratiques, créant des ponts. Fonctionne par gestes,

foisonne d’idées, bouillant.

Le texte est le liant pour comprendre les œuvres. Et lui permet de satisfaire son insatiable envie d’aller toujours plus loin. Car Benoît aime à trouver les choses infinies, inachevées, « sans bords » comme il le dit. […] On aimerait le classer dans une mouvance post Land art, car ce qui revient souvent c’est la fuite de la galerie, pour courir dans l’espace public. Mais ce serait l’enfermer dans un champ de références dont il ne se réclame pas forcément. Benoît construit sa propre histoire : l’autre aspect crucial dans son travail, c’est la narration. Le langage est pour lui une matière presque plastique, chaque projet contenant un germe narratif qui se constitue et se complexifie à mesure que les idées naissent, vivent et meurent dans la tête de Benoît.

Thomas Golsen, Professeur d'histoire de l'art de Université de Lille

Benoit Barbagli m’a révélé l’existence du Réseau-Schumann, Ce maillage d’ondes telluriques qui agirait aussi sur le relief minéral que sur les organismes vivants: il m’a enseigner comment communiquer par télépathie et lire les mots invisible écrit entre les lignes; il m’a démontré qu’on pouvait jouer du piano au fond de la mer.

Benjamin Laugier, Conservateur au Nouveau Musée National de Monaco

Benoit Barbagli entreprend un travail performatif qui associe ingénierie et poésie.

Teintées d’un fort rapport à la nature et aux sciences, ses performances peuvent ainsi être orchestrées par des dispositifs complexes ou ne nécessiter que le plus simple appareil.

Ses Visites peuvent parfois rappeler les postures de Philippe Ramette lorsque lui-même invoque Le Voyageurc ontemplant une mer de nuages de Caspar David Friedrich.

Pour Tide of Trepidation, il attelle un piano à un radeau pyramidal. Relié à un treuil, le piano est immergé pour être joué en apnée. Cet hommage au pianiste suédois Esbjorn Svensson, victime d’un accident de plongée, puise dans les nombreuses sources d’inspiration de Barbagli. La musique tient donc un rôle central y compris lorsqu’elle n’est pas jouée. Toile de fond de certaines actions, elle est souvent induite comme un air qu’on fredonne après une connexion synaptique fortuite.

Ici la terre est un geste a priori simple et romantique qui requiert en réalité une certaine dextérité. Accroché à flanc de falaise, un bras de bronze tient un bouquet de fleurs. Vertige de l’amour du vide.

À l’inverse, Tentacle 115,5° est un tentacule prothétique en latex composé de 128 aimants disposés dans les ventouses selon la suite de Fibonacci soit 2 exposant 7. Nouveau projet d’ascension, celui-ci consiste hypothétiquement à gravir la sculpture de Bernar Venet intitulée 115,5°, installée dans le jardin Albert Ier à Nice.


Benjamin Laugier

This post is also available in Français